Vinnie Moore
Инструментальная Инквизиция
Джейсон Сидуэлл
Фото - Гретхен Джонсон
Guitar Techniques, сентябрь 2023
перевод с английского
Гитарные инструментальные композиции стали одними из самых ярких моментов в музыке. Джейсон Сидуэлл спрашивает у топ-гитаристов, как они относятся к этому культовому направлению. В этом месяце он беседует с американской легендой виртуозного рока Винни Муром [от переводчика: здесь и далее я буду придерживаться принятому в рускоязычных СМИ произношению фамилии Мор].
Что Вас привлекает в гитарных инструменталах?
Я люблю играть и сочинять, а инструментальные записи кажутся мне прямым и непосредственным способом самовыражения. Я научился импровизировать, записывая придуманные мной аккордовые прогрессии, а затем играя поверх них каждый день. Так что, даже не осознавая, что пишу инструменталы, я уже был на этом пути, когда мое намерение состояло в том, чтобы просто работать над своей техникой. Услышав Джеффа Бека, Ларри Карлтона, Эла Ди Меолу и Карлоса Сантану, я открыл в своем сознании множество дверей.
Что может дать слушателю инструментал, чего не может вокально-инструментальная песня?
Инструментал может дать более сложную мелодию, потому что у него меньше ограничений, чем у голоса. На самом деле я не предпочитаю одно другому, хорошая песня - это хорошая песня. Поэтому я думаю, что лучшее из двух миров - это отличная вокально-инструментальная песня с потрясающими гитарными мелодиями и соло. Можно сказать, что поскольку инструментальная композиция не имеет текста, она может оставлять больше возможностей для воображения, в то время как вокально-инструментальная песня ясно говорит вам, о чём она.
Есть ли какие-то тенденции в инструментальных композициях, которые вы предпочитаете использовать или избегать?
В основном я стараюсь избегать того, что я уже делал слишком много раз. Если я понимаю, что уже делал что-то подобное, это убивает во мне дух. Так что неведение - это в некотором смысле блаженство. Но, несмотря на это, существует миллион замечательных песен с одинаковыми аккордовыми последовательностями. Но я получаю большее удовольствие, когда пишу и делаю что-то, чего раньше не делал.
Всегда ли типичная структура песни уместна для инструментала?
Это хорошая схема, но существует множество способов аранжировки песен, и нет никаких правил. Я считаю, что в моих композициях обычно присутствует припев. Таким образом, есть три основные части: куплет, бридж, припев. Мне нравится, как бридж делает переход от куплета к припеву и связывает их. Но мне никогда не было интересно записывать рифф или аккордовую прогрессию, а затем просто джемовать и рубить поверх неё четыре минуты. Мне нравится делать это, когда я просто играю, но, на мой взгляд, это не создаёт песню и является скучным.
Насколько полезно изучать подход вокалиста для создания гитарных мелодий?
С одной стороны, это не очень полезно, потому что вокал, как правило, более ограничен в плане мелодики по сравнению с инструментом. Я пробовал делать инструментальные версии вокальных мелодий, и добиться хорошего звучания бывает очень сложно, поскольку зачастую певец использует всего три-четыре ноты. Однако у вокалистов можно многому научиться, например, использовать динамику. Часто можно услышать, как кто-то поёт тихо, а потом очень громко. Иногда эти изменения происходят в течение одной фразы. Мне нравится делать это с гитарными мелодиями. Хороший певец также хорошо строит фразы, и это отличный повод для вдохновения.
Как Вы начинаете сочинять песню, есть ли какой-то типичный подход или вдохновение?
Единственным общим моментом для меня является наличие гитары в руках. Если я просто играю, то, в конце концов, натыкаюсь на что-то, что звучит круто или вдохновляет меня. Как только возникает первая идея, всё, можно приступать к работе. Я вхожу в зону, и соответствующие идеи начинают возникать не только во время игры, но и в моей голове. Первой идеей может быть рифф, аккордовая прогрессия, мелодия или барабанный ритм. Для меня нет какого-то одного способа, которым это происходит. Она также может возникнуть из-за того, что я нахожусь в определённом настроении в тот или иной день.
К чему вы стремитесь, когда вы выступаете в центре внимания, как это происходит при исполнении инструментальных произведений?
Мне нравятся цепляющие мелодии, которые можно напевать и которые запоминаются. Очень хорошо, если удаётся установить связь со слушателем, и он запоминает фразу и может её потом напеть. Приятная мелодия притягивает к себе. На моей первой пластинке было много нот, но большинство песен состояло из пяти или шести нот, которые я пытался использовать в качестве "хуков". Мне нравится создавать сильную аранжировку, чтобы песня вела тебя куда-то. Тогда нужно просто чувствовать то, что ты играешь, и погружаться в это.
Во многих вокально-инструментальных песнях присутствует гитарное соло, которое начинается низко и медленно, а заканчивается высоко и быстро. Полезно ли это для развития динамики на протяжении всего инструментала?
Я думаю, что песня должна немного увлечь вас. Она может начинаться с медленных фраз и подниматься вверх с увеличением скорости, но это лишь один из подходов. Динамика также очень важна и может поднять вас на более высокий уровень, а затем опустить обратно. Мне нравится, когда в середине песни есть фрагменты, где вы сбавляете темп, и все играют мягче, а затем вы поднимаете его до пика. Так я поступил в композиции "Rocket" с моего нового альбома. На мой взгляд, важнее всего создать хорошие партии, развить их и вывести куда-то. Скорость - это один из способов увеличить интенсивность песни, но есть и другие способы, например, сыграть что-то гармонически более интенсивное, использовать контраст или даже сменить тональность.
Какой тип гитарного звука вы предпочитаете для инструментальных композиций?
Мне нравится певучий, сустейнистый, ровный звук для соло и мелодий. Мне также очень нравятся слегка перегруженный звук, который можно получить, уменьшая громкость гитары до разных уровней или уменьшая овердрайв на усилителе или педали. Но мне нравится использовать регулятор громкости при солировании, потому что его можно легко и быстро прибавлять или прибирать в процессе игры. Иногда мне нравятся полуперегруженный звук для ритм-партий, и в этом случае я могу быть более склонен задавать звук с помощью усилителя и педали и просто держать громкость гитары на максимуме. Чистый звук тоже имеет своё место, и очень здорово использовать его для контраста с перегруженным, независимо от того, звучат ли они одновременно или друг за другом.
Есть ли у вас любимые тональности или размеры?
Есть тональности, которые больше подходят для гитары, например, E и A, потому что в них приятно иметь тонику на открытой струне. Есть и другие, в которых играть более странно, например, Ebm. Но на самом деле у меня нет любимых тональностей. Я довольно рано научился подключать весь гриф гитары, поэтому мне удобно переходить в любую позицию. Любимых размеров у меня тоже нет. Но когда я записываю альбом, я стараюсь смешивать как размеры, так и тональности. Должно быть разнообразие, иначе альбом будет скучным.
Как вы считаете, в каких тональностях лучше сочиняется - минорных или мажорных? А какие-нибудь любимые лады?
Я не нахожу разницы в сложности мажора и минора. Главное - чувствовать вдохновение. Мне также нравятся модальные вещи, и в рамках одной песни можно переходить от мажора к минору или к модальным вещам. Я заметил, что мне больше нравятся дорийский, миксолидийский и эолийский лады. Но мне нравятся все тональности, и, чёрт возьми, я обожаю мажорные септаккорды.
А как насчет модуляций в новые тональности?
Это отличный инструмент для того, чтобы перенести песню в другое место. Например, в сольной части моей композиции "Daydream" она начинается в тональности си-минор с аккордами (Bm-A-G-A), а затем модулирует в ту же самую прогрессию в тональность Em, которая звучит как (Em-D-C-D). Модуляция происходит при игре Em, но Em находится в тональности Bm, как и D, который является вторым аккордом. Поэтому теоретически смена тональности происходит только после того, как вы услышите третий аккорд - C. Но всё зависит от того, какую мелодию вы наложите на аккорды. В данном случае играть Em поверх первого аккорда Em было неправильно, поэтому я оставил двусмысленность, избежав играть C или C#, которые бы определяли, в какой тональности играть - Bm или Em. Когда появился аккорд D, я почувствовал, что в этот момент я уже полностью в тональности Em. Так что со сменой тональности иногда бывают интересные вещи. Посмотрите на куплет песни "Carry On My Wayward Son", где происходит смена тональности, аналогичная той, о которой я говорил. Также может быть смена тональностей, как у Van Halen, когда ты поднимаешься на целый тон для соло, как будто это поднимает тебя на более высокий уровень.
Рассматриваете ли вы группу иначе, чем исполнение вокально-инструментальной песни?
Я стремлюсь играть то, что подходит для песни, будь то вокал или инструментал. В любом случае нужно уловить настроение и атмосферу. Если это вокально-инструментальная рок-песня, то, как правило, вы не станете вставлять в неё классические арпеджио, которые вы отрабатывали на практике. Это эгоистично и почти всегда не к месту. Я просто погружаюсь в музыку и участвую в диалоге. Очень важно слушать другие инструменты.
А как насчет гармонизации мелодий?
Я очень любил это делать на своих ранних записях. Я целиком и полностью подражал Брайану Мэю и делал это почти в каждой песне. Но к моменту записи третьего альбома Meltdown я использовал гармонии только в отдельных местах. Это отличный способ улучшить песню. Раньше я всегда играл все гармонии, но на своём новом альбоме Double Exposure я использовал плагин Eventide под названием Quadravox для создания двухголосых гармоний в композиции "Breaking Through". Я использовал кварту сверху и терцию снизу; это создало массивный звук, и я почувствовал себя викингом!
Какие три гитарных инструментала вдохновили Вас и почему?
В первую очередь я бы отметил "Blue Wind" Джеффа Бека. Wired был первым инструментальным альбомом, который я услышал, а вступительная мелодия в "Blue Wind" стала первой партией, на которой я научился играть. Весь этот альбом изменил мою жизнь. Альбом Ларри Карлтона Room 335 также стал источником вдохновения. На нём было всё: великолепные мелодии, вкус, чувство, фразировка, отличные аккордовые последовательности и потрясающая игра на гитаре. Вся пластинка оказала на меня огромное влияние. Ещё одна важная вещь - "Samba Pa Ti" Сантаны. Впервые я услышал её, когда ехал в машине со своим двоюродным братом, и она сразу же захватила меня. Она настолько проникновенная, что можно было чуть ли не плакать. Мне захотелось создавать музыку, которая оказывала бы такое же воздействие на людей. И это практически то, что я до сих пор надеюсь сделать: установить связь, заставить слушателя почувствовать что-то.
Огромное спасибо Сергею Тынку, автору единственного русскоязычного гитарного журнала Guitarz Magazine за этот и многие другие предоставленные материалы для перевода.