Frank Gambale
ИнструментальнаЯ
инквизиция!
Джейсон Сидуэлл
Guitar Techniques
Весна 2022
Перевод с английского
Гитарные инструментальные композиции стали одними из самых выразительных моментов в музыке. Джейсон Сидуэлл расспрашивает лучших гитаристов об их взгляде на знаковые приёмы. В этом месяце: австралийский супергитарист джаз-рока и мастер свипа.
Фото - Наодзю Накамура
Что привлекает вас в гитарных инструментальных композициях?
Самое замечательное в инструментальной музыке то, что она стимулирует воображение слушателя. Когда есть лирика, то основное внимание уделяется смыслу слов, и в какой-то степени музыка становится второстепенной. В инструментальной музыке она на первом месте. Когда я слышу песни с вокалом в саундтреке к фильму под диалог, я нахожу это очень отвлекающим. В большинстве случаев инструментальная музыка лучше звучит в фильмах, конечно, за исключением тех случаев, когда нет диалогов. С точки зрения гитары, я люблю инструментальную музыку, потому что она позволяет моей гитаре стать певцом. Я подхожу к мелодии, как если бы я был вокалистом, чтобы передать эмоции и чувства исключительно с помощью гитары.
Что инструментал может дать слушателю такого, чего не может дать песня с вокалом?
Научно доказано, что музыка проникает в мозг дальше и глубже, чем любой другой носитель информации, чем визуальные образы или слова, поэзия и т.д. Так, инструментальная музыка с сильной мелодией и чувствами может довести человека до слез. В романтических или грустных сценах фильмов музыка используется для усиления эмоций. Без музыки эти сцены не будут иметь такого же воздействия, поэтому, если человек хочет преподнести свою работу с максимальным эффектом, он должен выбрать правильную музыку для сопровождения представления.
Что вы предпочитаете или чего избегаете при сочинении или исполнении инструментальных произведений?
Гармония - это открытая вселенная возможностей. Я всегда ищу прогрессии, гармонические последовательности, которые я не слышал раньше. Это трудно сделать! Например, на моем последнем альбоме Salve есть песня Love Is Always The Answer. Это вокальная песня с инструментальным бриджем, когда я сочинял её на фортепиано. я написал, наверное, 20 разных вариантов бриджа, пока не добился того, чего хотел. Мне пришлось действительно заставить себя выйти за рамки "так сойдет" или "этого достаточно". НЕТ! Я не собирался мириться с этим, пока не смогу сказать: "Это потрясающе и свежо, я никогда раньше не слышал этих аккордов вместе, и уж точно ничего подобного я раньше не писал". Так что это то, что я определённо предпочитаю при сочинении не только инструментальной, но и любой другой музыки!
Всегда ли для инструментала уместна типовая структура: вступление, куплет, припев и т.д.?
Она придаёт композиции направление и контраст. Но я также писал песни, которые не имеют типовой структуры. Есть песня с моего альбома Thinking Out Loud под названием Magritte, которая представляет собой 16-аккордную прогрессию, идущую по кругу. На том же альбоме есть еще одна песня под названием Infinity, которая, насколько я помню, состоит из 10 аккордов, которые циклически повторяются, развиваются и развиваются, так что структура определённо может меняться. Как я всегда говорю, нет никаких правил, когда дело доходит до композиции. Когда вы изучили гармонию в совершенстве и написали сотни песен, вам действительно хочется просто следовать за своей музой. Я страстно люблю аккордовое голосоведение. Я свожу с ума своих клавишников, потому что аккордовое голосоведение должно быть абсолютно точным. Моя жена Бока всегда в шутку спрашивает их на репетициях: "Вы курите?", на что они отвечают "Нет". Тогда она говорит: "Ну вы же собираетесь!!!". Хахаха. Так что да, структура может принимать множество форм, а не только куплет, припев, бридж, даже в инструментальной музыке.
Насколько полезно изучать вокальный подход для сочинения гитарных мелодий?
Это очень важно. Забавно взять вокальную песню, которая вам нравится, и сыграть её как инструментальную со всеми эмоциями и экспрессией, на которые вы способны, как будто вы буквально поете. Я думаю, что нужно быть осторожным, чтобы не задушить гитару слишком широким вибрато. Это может иметь негативный эффект, но, конечно, это личное дело каждого. Мои любимые певцы прекрасно контролируют свое вибрато. Они могут, например, держать ноту без вибрато, а затем добавить его в конце, это лишь один пример того, как вибрато можно использовать более тонко. Вибрато на гитаре - интересная вещь для меня. Вибрато на ладовом инструменте идет от точной высоты тона и выше, потому что высота тона фиксируется ладом. Модуляция клавишного синтезатора, которая имитирует гитарное вибрато, распространяется выше и ниже высоты тона, при этом фактическая высота тона находится в центре модуляции. Это очень тонко, но очень важно для меня, когда я играю мелодию на гитаре. Если я играю мелодию и хочу добиться идеального вибрато, я часто играю нужную мне ноту ладом ниже и подтягиваю её, чтобы при вибрато она была то выше, то ниже фактической высоты тона. Это тонко, но очень важно для подачи и звучания в тон. Есть с чем поэкспериментировать, дорогие гитаристы!
Как вы начинаете сочинять, есть ли какой-то типовой подход или вдохновение?
Это может начинаться по-разному, в зависимости от того, где я нахожусь. Если я сижу под деревом во дворе с акустической гитарой, я играю и импровизирую, обычно я нахожу прогрессию или напеваю мелодию, и всё идет своим чередом. Я часто бываю на кухне, когда моя жена готовит, и по какой-то необъяснимой причине мне приходит в голову множество идей для песен, я рассеянно напеваю, разговаривая с ней. Именно так я написал основную аккордовую структуру для двух песен на моем альбоме Coming To Your Senses. Одна песня называется Land Of The Leal, а другая Up In Beachwood. Они обе полны переживаний и интересных прогрессий, которые я даже не искал! Другой подход, который я использую, - это пойти в свою студию, включить всё и придумать ритм или пару аккордов, чтобы начать, а затем просто работать над этим. Это действительно работа, особенно если вы действительно хотите создавать оригинальные и интересные композиции снова и снова. Я часто испытываю и радость, и грусть, когда заканчиваю классную песню. Я радуюсь, потому что могу сидеть и радоваться новому творению, а потом грущу, потому что, чёрт возьми! Теперь я должен написать еще одну.
К чему вы стремитесь, когда вы выступаете в центре сцены, например, при исполнении инструментальной композиции?
Ну, это ничего не значит, если аудитория не чувствует чего-то, когда я играю. Если я играю одну из своих серьёзных баллад, например, Passages, то при правильном исполнении она вызывает слёзы. Я хочу, чтобы они почувствовали, что я переживаю очень неприятный развод и только что пережил одну из тех классических разборок, которые, как вы думаете, бывают только в кино. И вот я иду к другу домой, холодно, середина зимы, полночь, я звоню в дверь, но никто не отвечает. Тогда я вспоминаю, что в его сыром гараже стоит пианино за 20 долларов. Я пошел туда и за 20 минут написал Passages. Это был катарсический опыт, огромный груз свалился с моих плеч. И тогда я точно знал, что мне нужно делать. Это серьёзная предыстория инструментальной песни, которой я делился только с близкими друзьями. Когда я играю Passages, я вспоминаю все эти события, и я хочу, чтобы люди в зале вызвали в памяти свои собственные мысли, которые заставят их плакать от событий прошлого и настоящего. Такие вещи случаются, и благодаря этому опыту вы становитесь более сострадательным к себе и другим. И лучшим как гитарист.
Во многих вокальных песнях есть гитарное соло, которое начинается низко и медленно, а заканчивается высоко и быстро. Полезно ли это для развития темпа и динамики во время инструментала?
В целом, такой подход логичен и имеет смысл. Но всё зависит от песни и ситуации. Если у вас всего восемь тактов для соло, то вы хотите сыграть что-то драматичное и, надеюсь, узнаваемое. У меня обычно больше времени на игру, поэтому структура соло для меня ничем не отличается от структуры песни. Можно привести аналогию: если вы читаете длинный роман в 1000 страниц, вы не хотите, чтобы кульминация и сюжет были раскрыты в первой главе. Зачем вам утруждать себя чтением остальных? Когда моя аудитория слушает, она знает, что в какой-то момент я собираюсь исполнить свой "Гамбале-свип" и дать волю чувствам, но мне нравится дразнить их и разбрасывать перед ними морковку. Я думаю, что это оказывает большее воздействие, чем если бы я от начала до конца отрывался. Слишком много хорошего - это слишком много.
Какой тип гитарного звучания вы предпочитаете для исполнения инструментальных партий?
Мой звук обычно представляет собой плотный овердрайв с большим количеством низких средних частот и не слишком многим из того, что выше 4Кгц. Я люблю прибирать свой регулятор тона почти до упора. Я часто выставляю много драйва на усилителе, но затем пользуюсь гитарой для уменьшения гейна. Громкость гитары на 4-5 с большим драйвом на усилителе - это классный звук, а потом я выкручиваю его на 10 (или 11!). Мне всё ещё нравится записываться с микрофоном типа SM58 перед винтажными Celestion; для меня это по-прежнему звучит хорошо. У меня есть плагин API EQ в ProTools, который позволяет мне подстраивать его дополнительно, если это необходимо. Если я использую джазовую гитару, я записываюсь в линию через хороший ламповый микрофонный предусилитель, и больше ничего не нужно. Акустические гитары я записываю через микрофон и в линию. Я по-прежнему люблю AKG 414 для записи акустической гитары и голоса.
Есть ли у вас любимые тональности или темпы?
Да. Все! Я стараюсь не делать различий. Однако, как для гитариста, наличие открытых струн - это всегда хорошо. Тональность E на гитаре - это ужасная тональность для саксофониста. Самая удобная тональность для них - Eb. Так что это часто зависит от инструментального состава, но хорошие музыканты не ограничены тональностями. По сути, все они одинаковы, не так ли? Я люблю песни, в которых меняются тональности, так что в этом смысле тональности важны как инструмент, добавляющий интерес, и это всегда бесконечно интереснее, чем четыре аккорда в одной тональности, идущие по кругу, как в очень многих поп-песнях в наши дни. Но это не обязательно должно быть так!
В каких ладах вам легче сочиняется - минорных или мажорных?
Опять же, я не делаю различий. Минор или мажор - очень важная модальность, потому что мажор вызывает у слушателя "счастливые" ощущения, а минор - "грустные или меланхоличные". Passages, песня, которую я упоминал ранее, очевидно, написана в минорной тональности, поскольку вы не можете изобразить грустные эмоции с помощью мажора. Лады, я думаю, чрезвычайно важно глубоко понимать как для композиции, так и для импровизации и солирования. Я бы чувствовал себя гораздо менее уверенно без глубокого понимания гармонии. На моем сайте FrankGambaleGuitarSchool.com есть 18-часовой видеокурс под названием "Мир и гармония: Теория творчества". Я назвал его так, потому что хочу, чтобы музыканты пришли к миру с теорией и изучением гармонии. Некоторые беспокоятся, что изучение теории означает, что они потеряют свое "чувство" или каким-то образом закончат играть джаз. На самом деле это совсем не так. Гармония - это просто информация; думайте о ней как о цветовой палитре; лады и звукоряды, гармония - это цветовая палитра, из которой можно творить. Чем больше у вас красок, тем более выразительным вы можете быть.
Есть ли у вас любимые лады?
Опять же, никакой дискриминации. Каждый лад может предложить что-то свое, но если бы мне пришлось выбрать один, то это были бы дорийский и миксолидийский с пониженной шестой ступенью (нисходящая форма мелодического мажора). Миксолидийский b6 можно представить как эолийский мажор - он одновременно весёлый и грустный (бедный запутавшийся лад)! Он представляет одну из моих любимых аккордовых прогрессий, которая, будь она в A, была бы A - Bm7b5/A или Dm/A - A. Это призрачный лад. Мажорная гамма также прекрасна и безумно радостна. Эолийская гамма - самый грустный из всех ладов. Я всегда говорю, что слово "лад" - это плохой перевод с греческого. Пифагор, греческий философ, который вычислил лады, вероятно, имел в виду "настроения", потому что именно этим они и являются. Каждый лад мажора, мелодического минора и гармонического минора имеет своё "настроение".
А как насчет модуляций в новые тональности?
Да, пожалуйста! В наши дни мне трудно слушать песни, которые целиком в одной тональности. Это так ужасно скучно и неизобретательно. Это всё равно что иметь огромную палитру цветов и использовать только коричневый! Лишь оттенки коричневого! При некоторых фантастических продюсерских навыках это может быть довольно круто, но это исключение, на мой взгляд. Смена тональности придаёт огромный вес, особенно в припеве. Если всё в одной тональности - это одна крайность, а другая крайность - это какой-нибудь дикий джазовый стандарт, где каждый аккорд в другой тональности. Лично я люблю смену тональностей и люблю аккорды, и я всегда пытаюсь найти те, которые я никогда не слышал. Это трудно сделать. У меня издано около 400 песен, но если я работаю над ними, то всегда нахожу что-то свежее, и смены тональности всегда присутствуют. Я не люблю привязываться к какой-то конкретной тональности; когда я сочиняю, всё идёт гармонически.
Рассматриваете ли вы работу с инструментальной группой иначе, чем с вокально-инструментальными песнями?
И да, и нет. Два моих последних альбома - полностью вокально-инструментальные, и это зависит от того, насколько авантюрным вы хотите быть. Это зависит от того, какие партии вы пишете для остальных участников группы. Но да, в вокально-инструментальных песнях тенденция будет заключаться в жёстком груве за вокалистом, в то время как в фьюжн-мелодиях партии каждого могут быть сложными.
Есть ли у вас твёрдые взгляды, когда дело доходит до гармонизации мелодий?
Композиция - это форма искусства, которая ограничена только вашим воображением. Гармонизация мелодий очень широка, вы можете гармонировать точно вместе с мелодией, или использовать контрамелодии второй линии (контрапункт), или использовать вокал как духовую секцию с этими "ооо" и "ааа", и, конечно, педальные ноты - открывают безграничные возможности. Я люблю фоновый вокал второй линией. На моем альбоме Soulmine есть песня Be The Change, где две фоновые партии дополняют вокал, но они редко звучат параллельно. Мне нравится идея вызова и ответа. В моём альбоме Coming To Your Senses было много интересных трёх- и четырёхчастных гитарных гармоний. Это потрясающий звук, гармонизированные гитары. На этом альбоме есть песня Cybernaughts (поклонникам Доктора Кто?), и в мелодии припева партии идут во всех направлениях, а затем объединяются. Так что да, конечно, гармония и гармонизация - это бомба!
Фото - Наодзю Накамура
Огромное спасибо Сергею Тынку, автору единственного русскоязычного гитарного журнала Guitarz Magazine за этот и другие предоставленные материалы для перевода.
Какие три гитарных инструментала вдохновили вас?
Всё с альбома Джорджа Бенсона Weekend In LA, а также всё с альбома Breezin'. Джордж - потрясающий гитарист, полный души, чувства и безупречного понимания тайминга. Затем, Hymn Of The Seventh Galaxy группы Return To Forever и Theme To The Mothership с того же альбома. Соло Чика на Fender Rhodes разнесло мой разум на мелкие кусочки и разбросало их по всей Вселенной! Всё это на одной лишь педальной ноте D - срань господня! Затем в глубине самого красивого, элегантного и невероятного соло он врубает педаль дисторшн на Rhodes - и берегись!!! И третья - Rocks с альбома Brecker Brothers. Эта композиция Рэнди Брекера перевернула мой мозг, вывернула его наизнанку, а затем вернула всё на свои места. Я никогда не слышал более плотного грува с самой плотной духовой секцией, играющей самую независимую мелодию! Это невозможно, этого не может быть! Эти парни показали мне, что всё возможно, и всё сводится к силе вашей убеждённости. Я бы добавил еще одну для прикола; The Musician с альбома Musicmagic группы Return To Forever. Композиционно в ней собраны все известные человеку лады, все аккорды и все ритмы в одной песне. Это гигантский музыкальный материал из головы настоящего гения, Чика Кориа. Мне его очень не хватает; 36 лет я работал с ним в группе Elektric Band. Не могу поверить, что он покинул нас в прошлом году, но какое наследие он оставил!
ПОДДЕРЖАВ GUITARBLOG.RU ДОНАТОМ
